Categoría: Época contemporánea

En la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz. Además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos, que también fueron fuente de inspiración para los autores neoclásicos.

Como explicamos en Fundamentos y contexto histórico del neoclasicismo, Winckelmann fue uno de los mayores exponentes teóricos del arte neoclásico. Sus estudios, como Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura, fueron textos que tuvieron una gran influencia en las creaciones neoclásicas.

Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol y sin policromía. Esta imagen serena y blanca de la estatuaria griega fue una invención de Wincklemann, incluso se dice que en las excavaciones, si se encontraba una pieza con restos de policromía se mandaba a limpiar para presentarla blanca marmórea.

Winckelmann, Lessing, entre otros, plantearon una ley estética de carácter universal que pudiera guiar a los artistas; sus concepciones sobre la moderación en las expresiones y en el plasmado de los sentimientos son reglas que adoptará el modelo neoclásico.

Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos, el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad.

Características de la escultura neoclásica

Las características principales de la escultura del neoclasicismo son:

• Uso del mármol como material principal
• Sencillez en las formas y las composiciones
• Imitación de la antigüedad
• Ornamento intelectual de la belleza
• Trabajo en bulto redondo y bajo relieve
• Voluntad didáctica
• Prevalencia de la visión frontal
• Gran interés por el desnudo

Los artistas neoclásicos desarrollaron una técnica donde se daba prioridad al pulido de la superficie marmórea. La escultura del período rechaza el efecto pictórico de la escultura barroca y concede todo el protagonismo a la línea pura de contornos bien delimitados, huyendo de las sinuosidades barrocas. En los relieves, las figuras se sitúan en un primer plano, renunciando a cualquier fondo de carácter pictórico.

Antonio Canova (1757-1822)

Escultor italiano, que pronto empezó a esculpir, considerado el escultor más importante del periodo neoclásico. Sus obras representan personajes mitológicos o religiosos, sin embargo su dominio de la técnica y su calidad artística le permitió abordar todo tipo de temas.

En un inicio vivió en Venecia pero posteriormente se trasladó a Roma, siendo contratado para esculpir la tumba del Papa San Clemente XIV, conquistando a toda Italia por su talento. Trascurrido un tiempo fue requerido por toda Europa, ya que su fama y prestigio traspasó las fronteras de Italia, llegando a trabajar para Napoleón o la emperatriz Catalina de Rusia, entre otros.

Canova fue un protegido del estado Veneciano y se ha interpretado una de sus obras, “Teseo y el Minotauro”, como una producción simbólica de la resistencia Vienesa al avance Francés de Napoleón.

Obras más importantes

Antonio Canova transmite ligereza en sus obras pese estar hechas de pesado y frío mármol, esto es resultado de su gran capacidad artística y técnica. Como se comenta anteriormente, uno de sus grandes admiradores fue Napoleón. Éste le encargo un trabajo donde mostrara al general Bonaparte esplendido y poderoso pero Canova, contrario a las políticas Napoleónicas, esculpió “Napoleón como Marte”, dios de la Guerra.

Dédalo e Ícaro, 1777–1779:

Una pieza barroca por la expresividad de sus protagonistas donde Ícaro intenta coser unas alas a su hijo para huir. Es característico en Canova el recurso de la mitología griega.

Teseo y el minotauro, 1781-1783:

En esta obra se observa más el estilo neoclásico que influyó al escultor por la simplicidad de los rostros atemporales y la elección de la escena, cuando Teseo vence al minotauro. Cualquier autor barroco hubiese escogido la escena de la lucha. Los políticos de la república de Venetto, adoptaron esta escultura como icono de su lucha, desde ese momento Canova se convirtió en un protegido del estado.

Psique y cupido, 1787-1793:

El autor vuelve hacer servir la mitología griega y donde demuestra su técnica, ya que otorga al pesado mármol una ligereza y un movimiento poco característico del material.

Hércules y Licos, 1795–1815:

Imagen con mucha fuerza y violencia, sentimientos contrarios a los del neoclasicismo (serenidad, autocontrol…). Uno de los análisis de la obra es que Canova quiere crear una representación de la situación política y social que vivía Venecia.

Magdalena penitente, 1796:

Una obra del escultor Antonio Canova, encargo de Soumrina, donde sin lugar a dudas descubre una Magdalena sugerente y llena de erotismo. En esta obra se puede observar un recurso que el autor hacia servir con frecuencia: los elementos teatrales o extra escultores.

Fenotacio de María Cristina de Austria, 1798-1805:

Presidida por una figura geométrica simple, un triangulo que recuerda a los monumentos funerarios egipcios ( las pirámides), presenta una obertura central por donde se accede al cenotafio. Canova crea para la decoración exterior una composición creada a través de figuras simples que permiten un análisis individual. Las tres figuras de nuestra izquierda son la representación de las tres edades del humano (infancia, juventud, y vejez).

Perseo con la cabeza de Medusa, 1804:

Pese a su tridimensión por el simple hecho de ser una escultura, debemos resaltar el buen trabajo del autor con el perfil muy marcado y definido. Canova una vez más se inspira en la mitología griega a la hora de crear sus producciones.

Napoleón como Marte, 1806:

Napoleón admiraba a Canova, pero éste no era muy seguidor de la política de conquista de Napoleón. Por eso lo hizo desnudo y desarmado. A Napoleón no le gustó la obra y la mando a encerrar para que nadie la viese, ya que la desnudez divina le mostraba débil y frágil.

Paulina Borghese Bonaparte, 1808:

Familiar de Bonaparte, Canova representó a Paulina como una Venus griega llena de sensualidad, con ropajes ligeros. Más concretamente, como Venus Vitrix (Venus victoriosa). Este tipo de obras se quedaban en la intimidad familiar.

Venus de Médici, 1819:

La Nº1 es la obra que expolió Napoleón en una de sus conquistas. Bonaparte, ordenó a Canova que hiciera una igual, pero el escultor, fiel al neoclasicismo y a las teorías de Wilckelmann, no la copió sino que la imitó para crear nuevas formas, esculpiendo la Venus Nº2, denominada “Venus de Itálica".

Flaxman (1755-1826)

Nacido en York, trabajó en Londres y más tarde se marchó a Roma, donde vivió durante siete años. John Flaxman volverá a Inglaterra convertido en un gran escultor y recibirá encargos desde todos los puntos de Europa. Sus esculturas le dieron el reconocimiento, pero sus ilustraciones y los relieves decorativos lo consagraron.

Obras de John Flaxman

La furia de Atamás, 1790-1793:

Obra de Flaxman donde Atamás quiere matar a su hijo consumido por la locura.

Horacio Nelson, 1800-1818:

Almirante y héroe nacional que Flaxman representó con heridas de guerra, como mutilado y tuerto, con un león en representación de Inglaterra y los dioses Cuar y la diosa minerva con dos futuros soldados.

Un industrial llamado WEDGWOOD, propuso a Flaxman realizar unos relieves para la decoración de cerámicas. La idea entusiasmó a Flaxman, ya que lo consideró una buena forma de promover el gusto por el estilo neoclásico.

Muchas producciones eran inspiraciones de las cerámicas griegas y la mitología le servía a Flaxman para representar la situación social y política de la época, como por ejemplo La Guerra de los Siete Años (1756-1763), que se produce, entre otras cosas, por el deseo de Austria de controlar Silesia (región de Polonia) y, sobre todo, por las rivalidades coloniales entre Inglaterra y Francia en Norteamérica.

Las cerámicas de Wedgwood le hicieron a John Flaxman altamente popular y ayudó en gran medida a la difusión del arte neoclásico.

Bibliografía

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MÁS SOBRE ÉPOCA CONTEMPORÁNEA

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J. Pollock es uno de los más celebrados representantes del expresionismo abstracto, denominación que acoge una pluralidad de creadores que reivindicaron su propia singularidad. Dentro de la diferencia, les unió una iniciativa autoritaria y un anhelo catártico nacido de un desasosiego por una revelación perversa; la entelecheia de la pintura. El conflicto existencial llevó a muchos artistas a sumergirse en la búsqueda del origen pictórico, desvistiendo la pintura de cualquier atisbo mimético para hacer evidente su verdad.

La Escuela de New York se propuso darle caza al alcance basándose en multitud de argumentaciones abstractas y en 1947 nace de las manos de Pollock la denominada pintura de acción. El transgresor dripping de Pollock convierte el acto pictórico en un espacio de acción dónde el gesto, la experimentación, el acto creador y los heroicos furores toman fuerza generando una nueva conexión entre el creador y la marca, modificando la comunión física entre artista y creación. En este acercamiento se establece un insólito ritmo fundamentado en la espontaneidad, el azar y el automatismo, pero sin renunciar a lo autográfico ya que la disposición expresiva del inconsciente palpita en cada marca, es decir, el Yo dentro del cuadro.

Esta insistencia autoritaria nos presenta una pieza que habla más del genio kantiano que de la similitud de cualquier cosa bajo el sol. La línea no es un modo de distinguir la forma del mundo exterior, alejándose doblemente de la verdad platónica, sino que es el eco del principio vivificante del alma; la fértil endogamia entre entendimiento e imaginación, reflejada mediante la expresión artística del genio,  la facultad de invención...por lo que está cualificado para hacer nuevos descubrimientos... y obras de arte originales, revolucionando el gusto y alterando los usos de la mundanidad.

El trabazón trasformado en mezcla, llevada al extremo en el body-art de Bruce Nauman, donde utiliza su propio cuerpo como superficie pictórica, unificando la existencia conceptual y física de artista y obra en un mismo signo, como medio cierto de aletheia ya que la obra de arte desvela la verdad de lo ente, para el ser y desde el Ser que no llega, misteriosa, al desocultamiento.

Así la obra de arte se eleva teniendo un lugar privilegiado, un medio para presentar el Ser en el mundo. La obra de arte deja de ser la ventana de un mundo expirado y se maximiza como signo en la Tierra y genera Mundo a partir de las realidades heideggianas en la obra de arte: creador y creación como resultante de la arché. La acción creadora del ser como expresión de la propia vida. Pero Nauman no sólo unifica conceptos del arte sino que elimina la objetividad, presentándose como objeto efímero en el sujeto, prevaleciendo eterna la concepción del artista y practicando una crítica al materialismo, y a la institución artística mercantilista despojándola de su género.

La figura del creador se pone en cuestión ya que las acciones pictóricopreformativas crearon unas iconografías gestuales concretas que, supuestamente, son la irradiación rítmica entre la mano y las regiones del espíritu artístico.

Bibliografía:

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MÁS SOBRE ÉPOCA CONTEMPORÁNEA

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A finales del siglo XVIII se inicia el movimiento neoclásico, con influencia directa de la ilustración como un estilo artístico desprestigiado, ya que era un arte frío e impersonal. Se favorecía los coletazos del barroco y del Rococó, ya que era el gusto predominante de la época. Por el contrario, el neoclasicismo se oponía a los fundamentos estéticos de estos dos movimientos, de gusto más popular. Los estamentos de poder vieron en la voluntad moralizante del neoclasicismo una oportunidad para lograr sus objetivos propagandísticos, favoreciendo la difusión del estilo.

En el siglo XIX aumentó su desprestigio ya que nuevamente se instrumentalizó de forma propagandística por parte de los fascistas europeos, como por ejemplo Napoleón, y de forma moralista con la pretensión de educar o trasmitir ideales al espectador. Podemos decir que se trata de un arte de ideas, que es constantemente instrumentalizado por el poder. Un arte que pretendía alcanzar unos ideales morales, siempre mirando hacia un pasado clásico idealizado.

Se trata de un movimiento artístico marcado por tres factores sociales fundamentales:

• La revolución industrial: modificando el ritmo de vida de las personas a través de nuevos sistemas de organización, adelantos técnicos constructivos, el empleo de nuevos materiales y energías.

• El enciclopedismo iniciado por Diderot: trajo consigo una concepción romántica de la Grecia antigua. En el caso de la arquitectura se le quiso dar un carácter más funcional que artístico, hecho que abrió un gran debate. Esto derivó en la creación de nuevas creaciones arquitectónicas como los edificios institucionales públicos, los museos y bibliotecas, fábricas, escuelas, etc.

• La fundación de las Academias: establecían el ideal del arte en todos los campos a través de unos cánones idealizantes representativos del arte neoclásico.

Características del neoclasicismo

La representación del neoclasicismo se realiza a través de escenas siempre exageradas y protagonizadas por hombres con la idea de trasmitir valores intemporales. De aquí su mirada al pasado clásico visible en la indumentaria o en el entorno – vestimentas clásicas y arquitectura de tradición romana y griega -, son valores como la fuerza, la justicia, el valor, el respeto, etc...siempre con una mirada retrospectiva al mundo Clásico.

En el siglo XVIII se desarrolló un movimiento intelectual alrededor de las artes plásticas que se denominó los salones, promovido por los ilustrados, Montesqueu, Voltaire, Diderot, entre otros..., pero también políticos y filósofos como Rosseau y Hume, que acuden al Paris del siglo XVIII, ya que se convierte en la ciudad de intelectuales, la ciudad de las luces.

Las academias de las Bellas Artes, termino que fue acuñado por Charles Batteux en su obra de 1746 Les Beaux-Arts réduits à un même principe, tomarán mucha importancia en este periodo, ya que tomarán decisiones sobre las creaciones de los artistas midiendo su valía a través de ideales pictóricos, escultóricos, etc., basados en el Neoclasicismo.

Se crean las Academias de Bellas Artes y los pintores, para formar parte de ellas, tenían que presentar una pintura, si esta superaba el juicio del jurado especializado viajaba a Roma, considerada por esos entonces la capital universal del Arte. A este viaje se le denominó el Gran Tour. Grandes artistas han realizado el Grand Tour como Goya, Canova, o David.

Dentro de la pintura Neoclásica existían dos categorías:

• La pintura de historia: como la más importante, a la que se dedicaban grandes pintores reconocidos con unos formatos mayores y de posición horizontal.
• El retrato: no considerada una pintura menor pero si de menos prestigio.

Los Salones de París

En estos nuevos espacios culturales, creados por los ilustrados del momento, se exponían las obras de muchos autores mediante una selección inicial. En estos lugares se creó la crítica artística. Los primeros salones se celebraron en el Louvre, París. De mediados del siglo XVIII a finales del siglo XIX fue el acontecimiento artístico más importante del mundo.

También se organizaban al aire libre, era una forma de democratizar el arte, igual que se hacia con la educación – la enciclopedia de Diderot y las traducción de la Biblia-. Se celebraban anualmente, más tarde en los años impares y después iba variando. Se trataba de un acto que toda la ciudad comentaba. Posteriormente, se desarrolló un salón alternativo, promocionado por aquellos artistas rechazados por los jurados oficiales de los salones.

Estas muestras alternativas eran denominadas Le Salon des Refusés. En este salon off, de mediados del siglo XIX, se inician nuevos movimientos artísticos, como el impresionismo, y se avanza conceptos, como la modernidad – el texto de Baudelaire, El pintor de la vida moderna, ilustra este momento del París finisecular-.

En el salón de 1830 se rechazan más de 3.000 piezas artísticas, ya que según el jurado no cumplían el canon neoclásico del jurado. Ésto creó un gran malestar social. Por ese entonces, Napoleón III crea un espacio anexo para que se ubiquen y se expongan las piezas rechazadas, por eso se asume el nombre del salón de los rechazados. Desde entonces el Salón oficial empezó a perder interés, ya que las propuestas más interesantes eran exhibidas por los rechazados, surgiendo el Salón de los Independientes. Artistas como Goya, Delacroix, Courbet o Daumier expusieron en el salón de los rechazados.

Roma era considerada la capital universal del arte, era un referente, donde todos los artistas pasaban en busca de inspiración o para mejorar su formación. Por este motivo era tan importante el Gran Tour.

Los pintores y escultores, en este tiempo, trabajaban para la nobleza, decorando sus casas y retratándolos. Se crearon durante este periodo dos corrientes artística; el estilo Neoclásico, más relacionado con el mediterráneo y el mundo clásico y el estilo Medieval, inspirado en Roma relacionado con los nórdicos.

J.J. Winckelmann:

Johann J. Winckelmann 1717-1768, Arqueólogo e historiador de arte, alemán y uno de los fundadores de la escuela neoclásica. Considerado el pionero de la arqueología moderna y del gusto neoclásico. Su cargo como bibliotecario y conservador de las colecciones de antigüedades griegas y romanas del Vaticano (Cardenal Albani) le permitieron profundizar en el conocimiento del arte grecorromano. Admirador profundo del mundo griego, de su arte, de sus políticas, de sus polis, de la concepción del cuerpo, etc.

Influyó en artistas como Canova, David, Meng (que coincidirían en Roma y fue retratado por él) entre otros artistas y en todo el arte neoclásico. Murió asesinado en 1768 por un cocinero de origen toscano. Winckelman entendía el arte de forma que, para él, son sucesivos periodos ciclos históricos. De esta manera, en su entendimiento, era hora de volver al mundo clásico.

Winckelmann basaba su gusto por el arte clásico a través de los textos de Hesiode, Homero, Plátón, Aristóteles, Jenofonte, Plutarco, etc., ya que nunca estuvo en Grecia y posiblemente fue este motivo que le condujo a la idealización del mundo Griego.

En septiembre de 1755, partirá a Roma convirtiéndose al catolicismo. Su objetivo era estudiar las ruinas de la antigüedad. En 1764 publica Historia del Arte en la Antigüedad, cuya obra tuvo mucha importancia para la difusión de la arquitectura y de la escultura griega.

Su obra Reflexiones sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y en la escultura, será una obra de gran influencia internacional.

Hubo diversos artistas y teóricos que se opusieron al discurso de Winckelmann, como el romano Piranesi, ya que este era partidario de proclamar el arte romano como el máximo de belleza y Winckelmann proclamaba el arte griego. Su concepto neoclásico barrió toda Europa en su máxima expresión con la pintura de historia, pintura que alcanzaría su máximo auge con David, pero esta categoría decae cuando el pintor muere.

Piranesi

Fue grabador, arquitecto e historiador romano, contrario al movimiento neoclásico, especialmente a las teorías de Wincklemann, ya que su concepción del ideal artístico era el arte Romano. Por este motivo, en sus grabados, más de 2.000, observamos una exageración de la escala en los monumentos, edificios, estatuas, etc., proclamando intencionadamente la magnitud de las creaciones romanas.

Con sus grabados se ganó la vida y a final de ésta hubo un cambio en su concepto del ideal artísticos, ya que no sólo se inspiraba en la tradición romana sino que reivindicaba un arte eclíptico inspirado no sólo en el romano sino también en el griego, el egipcio y sobre todo se interesó por el arte etrusco, los primeros pobladores de las tierras Italianas.

Sus obras, sin lugar a dudas, apelan a la sensibilidad del espectador mediante la monumentalidad de las representaciones reales y ficticias, como Templo de Neptuno, panteón o Templo de Castor y Pólux, los diososcuros, que fueron inspiradoras para multitud de piezas del neoclasicismo pictórico y arquitectónico.

Sus entusiastas reproducciones e interpretaciones de antiguos monumentos romanos supusieron una importante contribución para la formación y desarrollo del neoclasicismo. En estos grabados se incluían imágenes fidedignas y exactas de las ruinas existentes, al igual que reproducciones imaginarias de antiguos edificios en las que la alteración de la escala y la yuxtaposición de elementos contribuyen a realzar el carácter de grandiosidad de los mismos.

Una de las primeras y más renombradas colecciones de grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron sus Prisiones (Carceri d'Invenzione, 1745-1760), en donde transformó las ruinas romanas en fantásticos y desmesurados calabozos dominados por enormes y oscuros pasadizos, empinadas escaleras a increíbles alturas y extrañas galerías que no conducen a ninguna parte. Estos grabados ejercieron una enorme influencia en el romanticismo del siglo XIX, jugando también un destacado papel en el desarrollo, ya en el siglo XX, del surrealismo e incluso en los decorados para el cine de terror.

Los grabados de Piranesi, muchos de ellos de gran formato y ordenados en libros, se exportaron rápidamente a Inglaterra y otros países a modo de souvenirs del Grand Tour, antecedente del moderno turismo cultural. Esas láminas influyeron en la arquitectura palaciega, especialmente en las casas campestres inglesas. Muchas planchas del artista se siguieron imprimiendo hasta principios del siglo XIX y pasaron a la actual Calcografia Nazionale de Roma, fundada por el papa Clemente XII, donde aún se conservan.

Prianesi tan solo realizó una obra construida, la iglesia de Santa María del Priorato en Roma, sede de los caballeros de la Orden de Malta, así como la palaza que da acceso desde el Aventino.

Mengs

Pintor y teórico, que se encontró con Wilnckelmann, en Roma y compartieron pasión por el arte griego. Unas de sus obras, La última cima del paraíso de 1761, no está muy bien definida, ya que se tambalea entre tendencias barrocas y neoclásicas, a la que Mengs le añade también elementos contemporáneos.

Más tarde viajará a España para trabajar como pintor de la corte de Carlos III, pintando a éste, a Amelia de Sajonia, a Maria Josefina de Lorena, etc. donde tendrá a sus órdenes a Goya, un pintor no reconocido por entonces. En su obra Concesiones de la belleza, el gusto y la cultura de 1762, clasifica los estilos en tres ramas: estilo bello, estilo gracioso y estilo expresivo o significativo. Anton Raphael Mengs defendía la pureza, la nobleza de las formas del arte. Fue uno de los teóricos que difundió el neoclasicismo en España.

El neoclasicismo en el arte fue perdiendo fuerza cuando sus impulsores y representantes neoclásicos fueron desapareciendo, Winckelmann, Piranesi, Mengs, o el gran promotor Napoleón Bonaparte. Fue perdiendo seguidores en favor del romanticismo, mucho de ello producido por las invasiones napoleónicas.

Bibliografía:

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